Es mostren els missatges amb l'etiqueta de comentaris Parlem d'art. Mostrar tots els missatges
Es mostren els missatges amb l'etiqueta de comentaris Parlem d'art. Mostrar tots els missatges

STRAAT Amsterdam: Museu d'Art De carrer i Grafiti


STRAAT és un museu d'art urbà situat a Amsterdam, Països Baixos. Va obrir les seues portes en 2012 i s'ha convertit en un important destí per als amants de l'art de carrer. L'interessant d'aquest museu és que no es troba en un edifici convencional, sinó que està situat als carrers mateixos de la ciutat.

STRAAT, que significa "carrer" en neerlandés, exhibeix una àmplia varietat d'obres d'art urbà, incloent-hi grafitis, murals, instal·lacions i obres d'artistes reconeguts internacionalment. Cada any, el museu convida a artistes de tot el món a contribuir amb noves peces, cosa que significa que sempre hi ha una cosa nova i emocionant per descobrir.

El museu STRAAT ofereix visites guiades, en les quals els experts expliquen la història i el significat darrere de les obres d'art, així com també la seua rellevància dins del context de l'art urbà contemporani. A més, el museu organitza esdeveniments, tallers i activitats educatives per a involucrar a la comunitat local i als visitants en el món de l'art de carrer.

STRAAT és un exemple de com l'art urbà pot transformar el paisatge urbà i convertir-se en una forma accessible d'art per a tots. La seua ubicació als carrers d'Amsterdam li dona una sensació única i autèntica, permetent als visitants experimentar l'art d'una manera completament diferent de la d'un museu tradicional.

Artur Álvarez





Anthony Abou Jaoudé , entre el surrealisme i la figuració

Anthony Abou Jaoudé és un artista radicat al Líban les pintures del qual s'han exhibit a nivell nacional. A través de les seues obres distintives, explora diversos temes relacionats amb la llibertat d'imaginació. Abou Jaoudé descriu la seua pràctica artística com a pura energia i connexió que construeix "un poder emocional d'admiració". Crea principalment amb acrílics, aquarel·les, pastissos, olis i collage sobre llenç.

« Dibuixar amb sentiments, deixar que els pensaments inconscients es traduïsquen en pintures. »

"En aquesta vívida dansa de tons i formes, he entrellaçat el surrealista amb el figuratiu, donant vida a una simfonia caòtica d'emocions. Cada pinzellada es delecta amb la salvatge espontaneïtat del fauvisme, capturant un moment d'energia crua i desenfrenada. Aquesta pintura és una porta d'entrada a un món on regnen la passió i la fantasia, una invitació visceral a abraçar el joc impredictible de la vida."


font:

https://www.singulart.com/es/obras-de-arte/anthony-abou-jaoud%C3%A9-all-in-1815119 





Liubov Kuptsova, un continu desafiament artístic.

Liubov Kuptsova va nàixer en 1984.
Quan era xiqueta, iniciada pel seu pare en el camí de les arts, va abraçar aquesta naturalesa. És artista professional i il·lustradora de llibres per a xiquets. Ha estudiat art en diferents estudis d'art des dels 5 anys. Va començar a estudiar les bases del dibuix i la pintura a l'escola d'Arts i Oficis número 504 a Moscou, Rússia.
S'inspira en grans creadors (Van Gogh, René Magritte, Ilya Repin i altres) i en els seus professors.
En 2016, es va mudar amb la seua família a Kryvyi Rih, Ucraïna. Ací, juntament amb el seu marit Vladyslav Durniev, que és fotògraf i artista professional, creen el seu propi estudi d'art. Liubov Kuptsova va començar a dedicar-se a la pintura professional. El lloc més important en la seua obra l'ocupa l'abstracció, així com animals divertits, paisatges marins abstractes, paisatges, ciutats, persones i flors. La tasca principal de *Lyubov és transmetre a través de la seua pintura l'estat d'ànim, l'emoció, mostrar la seua pròpia visió del món i posar ànima en el llenç.
Durant 7 anys de treball actiu, les obres de Liubov han trobat col·leccionistes a tot el món (els EUA, Gran Bretanya, Alemanya, Àustria, França, el Japó i altres). Liubov Kuptsova continua la seua activa activitat creativa. S'inspira en les ressenyes i comentaris de la gent sobre la seua pintura, els colors brillants de la naturalesa i la bellesa del món.


« En cadascuna de les meues obres d'art, col·loque una part de la meua ànima. Crec totes les meues peces amb gran amor des de la realització del meu somni de la infància. »

L'abstracció ocupa un lloc especial en el seu enfocament artístic. Per a Kuptsova, el seu principal desafiament és capturar l'essència de la trama, l'estat d'ànim, l'impuls i l'emoció. Els motius continus que vinculen les seues obres són animals, ocells, flors i persones. Ella crea usant olis sobre tela. 











Font: 

https://www.kuptsovaart.com

Tomas dellert: "El arte és amor visible"

Thomas Dellert és un pintor i fotògraf suec de renom internacional que ha participat en nombroses exposicions individuals en tot els Estats Units i diverses nacions europees. Les seues obres figuren en les col·leccions permanents del Museu Memorial de l'Holocaust (Washington DC), Heinz, Mercedes Benz, Absolute Vodka i la Família Reial Sueca, per nomenar alguns. Combinant elements satírics i històrics, Dellert combina pintura, collage i art gràfic per a transmetre la profunda foscor i la brillant esperança de la humanitat.
EL FOTÒGRAF

Com a fotògraf d'art contemporani, ha realitzat més de 100 exposicions internacionals en museus i galeries, moltes portades de revistes de fotografia artística internacionals i extensos reportatges.

Thomas va tindre la portada de la revista International Art Magazine Art Market d'octubre de 2023 i 8 plecs i 18 obres d'art publicades. També va aparéixer 3 vegades amb 8 plecs i 20 fotografies cada vegada en la coneguda i prestigiosa revista internacional d'art LENS.

Photo Scandinavia va realitzar el major reportatge individual en la història de la revista des dels seus inicis, quan en 11 pàgines van mostrar 48 fotografies de *Dellacroix & *Dellfina.

Com a fotògraf d'art provocatiu i contemporani, va treballar sota el nom de Dellacroix en simbiosi amb el seu ex emmanilla i sòcia Agnieszka Dellert-Dellfina entre 2001 i 2012, quan es van divorciar i van prendre camins separats. També ha col·laborat amb la fotògrafa Ellen von Unwerth, el fotògraf Bruno Ehrs, el fotògraf Raphael Yoshitomi, el fotògraf Philipp *Mueller.

Ara viu i treballa amb la seua esposa des de fa 11 anys, Vava Venezia Dellert, qui també és una artista visual internacional. També col·laboren en uns certs projectes d'art vistos en Lens Magazine 2023.

L'ARTISTA VISUAL CONTEMPORANI

Ha realitzat més de 100 exposicions internacionals durant els últims 30 anys. Està representat en col·leccions com la Col·lecció *Absolut Vodka, la Col·lecció *Heinz, la Col·lecció de la família reial sueca i en diversos museus, com el . Ha sigut l'artista oficial tant de Absolut Vodka com de Mercedes Benz. La mort i la fama són temes centrals en les obres de Dellert, i utilitza la ironia i l'humor mesclats amb l'horror com una de les seues principals eines. El seu treball té un enfocament fort i humanista i utilitza imatges poderoses per a mostrar els horrors de la guerra i el genocidi. Adverteix sobretot pensament fanàtic, racial i fonamentalista en el seu art. Després de conéixer a Andy Warhol en 1976, va realitzar una sèrie de serigrafies impreses a mà en col·laboració amb els seus amics de la infància Bruno Ehrs i Rainer Laakso. Aquesta impressió artística va ser presentada a Warhol a la seua fàbrica de Nova York en 1980. Un esdeveniment ben documentat. Va inspirar a Warhol amb els seus estampats de camuflatge que més tard es van convertir en l'expressió artística del mateix Warhol. El mateix va succeir amb l'artista Jean Michel *Basquiat, que va visitar l'exposició de Dellert a Nova York en 1982. Totes les pintures de *Dellert es van emmarcar amb cordes en marcs de fusta més grans que els llenços. Després de l'exposició, Thomas va deixar tots els quadres al carrer, enfront de la galeria d'art en *St *Marks Plau, a pocs metres de la casa de Basquiat. Els va portar a casa i aquesta nova tècnica d'enquadrament es va convertir en la seua marca registrada.

Dellert treballa amb pintura, collage, fotografia, instal·lació, vídeo, serigrafia impresa a mà i escultura fem.





















Annette Schmucker. Un pintoresc viatge a través de la llum, l'espai i la transparència.

Declaració artística i mètode de treball.

En un pintoresc viatge a través de la llum, l'espai i la transparència, l'artista Annette Schmucker ens porta al seu emocional món de pensaments. Porta més de 20 anys dedicant-se apassionadament a l'art, combinant hàbilment motius abstractes i concrets en les seues obres. Les seues pintures es caracteritzen per una varietat de temes i actualment s'ocupa intensament de la simbiosi entre l'home i la naturalesa. La fusió única de representació concreta i abstracció crea personatges que estan incrustats en un joc de llum i espai. Les tècniques d'Annette Schmucker són tan diverses com fascinants: les pintures a l'oli exerceixen un paper important en les seues obres a causa de la seua lluentor, però la combinació experimental de pintures a l'oli i acríliques també obri noves dimensions artístiques. Les seues pintures estan creades en capes enginyosament superposades, que no sols representen el seu dedicat estil creatiu, sinó que també subratllen l'excel·lent qualitat de les seues obres d'art.

La forma diversa de treballar d'Annette Schmucker obri noves perspectives i et convida a descobrir. Amb especial afecte per la lluentor de les pintures a l'oli, les combina hàbilment amb pintures acríliques per a explorar noves tècniques experimentals. Les seues pintures estan creades en moltes capes vidriades que reflecteixen la seua dedicació i passió pel seu ofici. 



L'artista autodidacta Annette Schmucker, que viu en Aulendorf, prop de Ravensburg, ja des de xicoteta s'apassionava per la pintura. Des de fa 17 anys ha pogut intensificar la seua labor artística i convertir-la en el centre del seu treball. A l'artista li agrada treballar amb motius tant abstractes com concrets i els combina de manera impressionant. Malgrat la diversitat dels seus temes, alguna cosa que les seues obres tenen en comú és la representació de la llum, l'espai i la transparència.
Actualment, l'artista es preocupa principalment pels temes de les persones i la naturalesa, combinant de manera impressionant la representació concreta amb l'abstracció. Els personatges resultants s'integren en espais abstractes en els quals es reflecteix la llum i l'espai.
Annette Schmucker crea obres d'art que no sols impressionen per la seua bellesa estètica, sinó també pel seu profund missatge. La seua forma distintiva de treballar es basa en la combinació de pintura a l'oli i acrílica, una oda a la brillantor de la pintura a l'oli i a les moltes possibilitats que obri la pintura acrílica. Les capes translúcides amb les quals crea les seues pintures conten la seua pròpia història i fan de l'art d'Annette Schmucker una experiència única. Una obra d'art d'Annette Schmucker convida a meravellar-se i debatre.

Les seues tècniques són diverses, i la pintura a l'oli juga un paper important en la majoria de les seues obres, sobretot per la seua brillantor. Però la combinació d'oli i pintura acrílica també estimula noves tècniques experimentals. Les seues pintures estan creades en moltes capes vidriades col·locades una damunt d'una altra, la qual cosa parla del seu treball dedicat i íntim, d'una banda, i de les seues obres d'art sorprenentment d'alta qualitat, per l'altre.






Ángela Mena: Estil inquiet i intuïtiu

El seu treball es nodreix principalment de l'observació de la naturalesa i com l'ésser humà es relaciona amb ella. Inquieta, intuïtiva i hàbil. Desenvolupa en els seus començaments una obra abstracta amb gran importància de l'emoció en el color i en com arriba a l'espectador sense necessitat d'entendre el concepte de l'obra.

Després de la seua estada a Berlín (Alemanya), rep influències geomètriques i de la distribució del color en l'espai, fent de la seua obra una geometria abstracta titulada “Espai i Color” que, més tard i, amb l'estudi figuratiu dels animals, donarà peu a la sèrie geomètrica “Nius”

L'estudi de plans li porta a la seua pròpia figuració, iniciant-se amb la sèrie “Paisatge de Butxaca”, continuada per la representació de paisatges en llocs exòtics, pintats a partir de fotografies pel fet que la falta de mitjans no li va permetre visitar-los. Així sorgeixen en les seues pintures uns llocs idealitzats exposats més tard sota el títol “Allí on viu la mar” en una de les galeries més importants d'Andalusia, “La Caixa Xinesa”.

Actualment Mena continua treballant i desenvolupant el seu procés pictòric sota la idea de no sentir-se atrapada pel seu propi llenguatge o, a vegades, com alguns artistes diuen, sota una marca pictòrica. Anteposa la qualitat de l'obra i el fort sentiment que li porta a realitzar-la al descoratjament de la continuació del ja conegut. Deixa volar totalment la seua imaginació i treball sense prejudicis. En tot el seu recorregut hi ha un potent fil conductor, que és la forta intuïció que sent cap al color.











Ángela Mena. Llicenciada en Belles arts per la Universitat de Sevilla, actualment viu i treballa a Sevilla després d'haver tingut tallers propis en diferents ciutats europees, com ara Londres i Madrid. Ángela Mena compta entre els seus últims assoliments curriculars amb el Primer Premi de Pintura de la Reial Acadèmia de Santa Isabel d'Hongria. Seleccionada en diferents Beques de Residència per a creadors, compta amb peces en col·leccions com el Centre d'Art Contemporani (CAC) de Màlaga o la Fundació Valentín de Madariaga.











Carol Nelson, realisme i abstracció

Soc un artista de tècniques mixtes que viu en Aurora, Colorado. Quan vaig començar la meua carrera artística fa més de 25 anys, vaig treballar en un estil realista en aquarel·la i oli. Amb el temps, el meu treball va evolucionar cap a un estil més abstracte i em va portar a treballar amb textures, collage i pintures acríliques fluides. Soc Educadora d'Art certificada amb *Golden *Paints.


La meua passió és experimentar amb materials de mitjans mixtos i crear la meua visió del món que m'envolta. Les Muntanyes Rocalloses prop de Denver són una gran font d'inspiració. El color, els valors, la textura i la composició són elements importants en tot el meu treball.


He impartit tallers en tot el país, a nivell internacional i en l'estudi de la meua casa prop de Denver, Colorado. Després de més de 20 anys d'ensenyament, encara és emocionant escoltar com la meua instrucció ha canviat literalment les vides de tants artistes en tot el país.


Després que la pandèmia va tancar els tallers presencials, ara oferisc tallers complets en línia com a vídeos instructius. El meu lloc *Teachable ( https://carol-nelson-mixed-media-art.teachable.com/p/home ) té molts cursos, alguns pagaments i altres gratuïts. Una vegada comprat, el curs és teu per sempre sense data de caducitat. Realitzar un taller, ja siga en persona o en línia, pot inspirar totalment la teua creativitat i brindar-te noves direccions per a explorar amb el teu art.


Venc les meues pintures originals principalment en línia a través del meu lloc web, https://carolnelsonfineart.com i llocs de xarxes socials. Excel·lents reproduccions del meu treball estan disponibles a través del meu lloc en *Fine *Art *America en https://carol-nelson.pixels.com


Preguntes? Envia'm un correu electrònic a carolnelsonfineart@gmail.com


“El treball de *Carol Nelson és un audaç Exploració tant del realisme com de l'abstracció. Cada peça explora l'essència del color, la textura de la superfície i la massa estructural. Fermament arrelades en l'essència del paisatge, les seues composicions abstractes sovint suggereixen elements geològics amb l'ús de materials naturals i artificials com a metalls, plàstic i nombrosos mitjans acrílics”.


Font:

https://www.carolnelsonfineart.com/






Mario Sánchez Nevado: Artista digital


Mario Sánchez Nevado (Barcelona, 1985) és un il·lustrador i director d'art freelance espanyol Llicenciat en Belles arts amb menció en Arts Digitals per la Universitat de Múrcia, que crea obres d'art i dissenys per a grups musicals i editorials de tot el món. La seua distintiva signatura surrealista en l'estètica i el seu enfocament càustic en la narració li han atorgat un reconeixement mundial a la seua carrera. Ha unit forces amb clients de la talla d'Adobe, Goodby Silverstein & Partners, Harlequin o Hachette. També és un dels directors del col·lectiu artístic internacional Hysterical Minds i ha escrit diversos tallers per a PSD Tuts+ sobre producció d'imatges digitals. Mario ha viatjat per Europa per a impartir diverses conferències i tallers a Londres, Roma o Madrid, i ha participat en Create Now d'Adobe, Photoshop Rockstars, Brief Festival o Creative Pro Xou, per nomenar alguns. La seua obra ha viatjat per tot el món, des d'Espanya fins als Estats Units, Cuba, el Regne Unit o el Brasil, passant per exposicions com Creatives Rising, que va itinerar, entre altres, pels museus MoMA i Guggenheim de Nova York. La seua labor artística ha sigut reconeguda amb el Màster Award en l'esdeveniment anual d'art digital Expose per dos anys consecutius, i recentment va participar en la campanya del 25 Aniversari d'Adobe Photoshop que es va estrenar en els Premis Oscar de l'Acadèmia 2015 i es va projectar en Sundance, guanyant un Pencil D&*AD. Premi, Tres Lleons del Festival de Cannes i una nominació a l'Emmy.

Amb un estil personal sòlid però en constant evolució, la seua sorprenent col·lecció està profundament teixida amb narratives audaces i punxants, construïdes amb paletes vibrants que són la clau per a les atmosferes i els escenaris dels entorns onírics presents en la seua obra. L'univers de Nevat és una interpretació sensorial del que sent com a ésser humà i ciutadà d'aquest món, transmetent idees del nostre comportament com a formes de vida emocionals en diferents contextos on es pot trobar la ironia i conduir a una crítica recurrent a la moral, la distribució, la política o els cànons de la societat. en una època històrica dominada per la superficialitat. En part narrador màgic i en part missatger sobri dels mals de la societat, el treball de Mario demana una consideració més profunda del món que ens envolta.






Egon Schiele: El Geni Provocador de l'Expressionisme

Egon Schiele (1890-1918), un prodigi de l'art, va nàixer en l'atrafegada Àustria de finals del segle XIX, un jove la passió del qual per l'expressió artística el portaria a les altures de l'expressionisme. En els corredors de l'Acadèmia de Belles arts de Viena, va trobar la seua musa i mentor en l'icònic Gustav Klimt, l'art simbolista del qual va enlluernar la seua imaginació juvenil i ho va inspirar a forjar el seu propi camí en el món de l'art.
Schiele no va tardar a trobar la seua veu única en el tumultuós paisatge artístic de la Viena de la Belle Époque. El seu estil, marcat per línies angulars i colors atrevits, va trencar amb les convencions establides, desafiant la mirada convencional i seduint als ulls més crítics. Però va anar en els seus retrats, en particular en els seus nus, on Schiele va desplegar tota la profunditat del seu geni creatiu. Cada traç, cada línia, semblava capturar l'essència mateixa de la humanitat, revelant la vulnerabilitat i la intensitat de l'experiència humana.

No obstant això, la vida de Schiele va estar marcada per la controvèrsia i l'escàndol. Les seues representacions audaces del cos humà van xocar amb les sensibilitats conservadores de la societat del seu temps, i les seues obres van ser objecte de censura i crítica. Però fins i tot en l'adversitat, Schiele va perseverar, continuant la seua cerca incansable de la veritat i la bellesa en l'art.

Tràgicament, la vida d'aquest jove prodigi es va veure truncada prematurament per la grip espanyola en 1918, deixant un llegat artístic que perdura fins als nostres dies. La seua influència en el món de l'art del segle XX és innegable, i la seua obra continua captivant i desafiant als qui tenen la fortuna de contemplar-la. Egon Schiele, una ànima ardent que va brillar breument però amb intensitat en el firmament de l'art modern.

Artur Álvarez





José Luis Ceña: el Color i la Forma en la Pintura Contemporànea"

José Luis Ceña és un destacat pintor contemporani espanyol, nascut a Madrid en 1968. La seua obra es caracteritza per una marcada originalitat i una profunda exploració de la forma i el color. Ceña ha desenvolupat un estil únic que fusiona elements del surrealisme, l'expressionisme i l'art abstracte, creant composicions vibrants i plenes d'energia.

Una de les característiques més distintives del treball de Ceña és el seu ús magistral del color. Les seues pintures estan impregnades de tons intensos i contrastants que creeen una sensació de dinamisme i profunditat. A través d'una paleta audaç i expressiva, Ceña aconsegueix transmetre una àmplia gamma d'emocions i estats d'ànim en les seues obres.

A més del color, la forma és un altre element central en l'obra de Ceña. Les seues pintures sovint presenten figures humanes estilitzades i formes abstractes que s'entrellacen en composicions dinàmiques i orgàniques. Aquestes formes semblen fluir i fondre's les unes amb les altres, creant una sensació de moviment i transformació.

El tema de la naturalesa també és recurrent en l'obra de Ceña. Les seues pintures sovint presenten paisatges imaginaris i elements naturals com a arbres, flors i animals, tots ells representats de manera estilitzada i evocadora. A través de la seua interpretació personal de la naturalesa, Ceña convida a l'espectador a reflexionar sobre la relació entre l'ésser humà i el seu entorn.

Quant a la tècnica, Ceña utilitza una varietat de mitjans i materials en el seu treball, incloent-hi oli, acrílic i tècniques mixtes. El seu enfocament experimental i la seua disposició a explorar noves tècniques i materials han contribuït a enriquir la seua pràctica artística i a mantindre la seua obra fresca i rellevant.

Artur Álvarez

José Luis Ceña naix a Màlaga en 1982. Als 15 anys es trasllada a Madrid, ciutat on es llicencia en la carrera de Belles arts de la Universitat Complutense de Madrid en l'especialitat d'Arts Plàstiques en 2005. En 2001 és becat per la Real Casa de la Moneda per a l'ampliació dels seus estudis en les disciplines de Gravat i Disseny Gràfic. La formació en aquests camps
li permet investigar sobre recursos i eines que, encara que aliens a la pintura tradicional, incorpora al seu procés creatiu i doten l'obra d'una plasticitat especial.
Part de la seua iconografia sorgeix de processos de pensament basats en lectures o experiències que necessita representar per a ser recordades. Ja que, a diferència de les fotografies en les quals preval l'immortalitzar un instant, en la seua pintura ens trobem amb el desenvolupament d'una acció. Composicions obertes i siluetes que simbolitzen alguna cosa que està, va estar o va poder estar en un moment determinat en el lloc en el qual transcorre l'acció.
El concret queda relegat per a depositar tot el pes del missatge en la projecció del sentiment per part de l'espectador, en el seu particular mode i moment de percepció. Temàtica d'indubtable misteri, invoca a la contemplació i provoca la incògnita romàntica, no evoca d'un mode directe, sinó que es limita a suggerir una realitat amagada, una emotivitat, una bolcada, una narració.





El "Guernica" de Picasso i el seu Testimoniatge d'Esperanza en Temps de Desolació


 "Guernica", la creació impressionant de Pablo Picasso, emergeix com un testimoniatge visual de la devastació i el sofriment que assoten durant la Guerra Civil Espanyola. Concebuda en 1937 com a resposta al bombardeig de la ciutat basca homònima, aquesta obra mestra s'erigeix com un monument a la tragèdia i la protesta contra la violència despietada.

En un llenç de dimensions colossals, es desplega davant nosaltres una escena de dolor i desesperació. Un cavall moribund es converteix en l'epicentre de l'obra, el seu gest angoixat i el seu cos retorçat capturen l'essència de l'horror i el sofriment que es va desencadenar en eixe fatídic esdeveniment.

Amb una paleta de tons foscos i grisos, Picasso crea una atmosfera de dol i desolació. Les formes angulars i les figures humanes deformades afigen una sensació de caos i destrucció, mentre que els edificis en flames en el fons subratllen la devastació i la pèrdua causades per l'atac.

A través d'una rica simbologia, "Guernica" ens convida a reflexionar sobre els horrors de la guerra i la resistència de l'esperit humà. Els objectes dispersos pel sòl, com el llum trencat i el ganivet, evoquen la violència i el sofriment, mentre que els símbols de llum i vida, com la flor emergint entre les clivelles i el ciri il·luminant l'escena, ofereixen un centelleig d'esperança enmig de la desolació.

El "Guernica" és molt més que una simple obra pictòrica: és un poderós recordatori dels horrors de la guerra i un anomenat a la pau i la justícia. Amb la seua impactant bellesa i el seu profund simbolisme, aquesta obra continua inspirant a espectadors de tot el món a reflexionar sobre els vertaders costos de la violència i a advocar per un món més humà i compassiu.

Artur Álvarez